一提到古典音樂，大家都會想到“門檻高”“太複雜”，聽流行音樂的不理解聽古典音樂的，聽古典音樂的也瞧不起聽流行音樂的。這也進一步導致了人們對古典音樂的誤解，認為古典高不可攀，認為古典音樂和流行音樂水火不相容……
但是要知道，在幾百年前，古典也曾是那個時代的“流行”，引領著一個時代的文藝風潮，並深深影響著一代又一代的音樂人。
今天，我希望解開大家對古典音樂的誤解：古典音樂並非“高不可攀”，相反，它與流行音樂有著緊密的關係。那些在歷史中曾大放異彩的傳奇樂章，在現代音樂的世界中，再次證明了它們經久不衰的影響力。（完整版的「現代流行歌曲引用古典音樂旋律」曲目表（共246首歌）見文末）
受到音樂世家氛圍的薰陶，日本歌姬平原綾香對古典音樂的熱愛體現在歌曲創作的方方面面。
她的大熱單曲《JOYFUL，JOYFUL》，就改編自貝多芬第九交響曲第四樂章的主要部分——《歡樂頌》。
事實上，平原綾香可以說是發揮古典音樂魅力的發燒級網友。在2009年推出了一張全部改編自泛古典的流行歌曲專輯《my Classics！》之後，又在2010年和2011年相繼量產出了《my Classic2》和《my Classic3》。
與其他一些強行加入古典元素的歌曲不同，平原綾香的這三張專輯可謂每一首歌都進行了精心改編，融合得恰到好處，不管從音樂情緒還是表現形式上，都儘可能貼合了對應古典作品本身的內在思想。
在平原綾香這麼多古典與現代融合的作品中，最為奇特的要數改編自《野蜂飛舞》的《くまんばちの飛行（熊蜂的飛行）》了。《野蜂飛舞》是俄羅斯作曲家科薩耶夫的作品，是為當時一部歌劇《撒旦王的故事》所作的配樂。
現在的電影和動畫都會有配樂，配樂對於幫助其他藝術形態的表達來說尤為重要。在古典時期沒有電影動畫，但是已經有了歌劇，許多後來成名的古典曲子，在當時都是為了給歌劇配樂而產生的。
這首《野蜂飛舞》由於其旋律極快、難度賊高，後人常用來展示自己的鋼琴、吉他、小提琴等樂器的演奏技巧，如今還一度成為了吉尼斯世界紀錄的挑戰標的。感受一下這個單身兩百年的手速：
與那些“靠手速單身”的大佬不太一樣，平原綾香這首《熊蜂的飛行》中用於描述蜜蜂快速揮動翅膀的旋律，居然是用嘴唱出來的。有一說一，這用嘴唱出來的這音色，還真的是更有野蜂飛舞的感覺，逼真形象，戴上耳機，竟讓人忍不住想揮手把耳邊的嗡嗡叫的大黃蜂給趕走。
跟平原綾香連出三張專輯比，還有一個更“狂熱”的德國組合叫Sweetbox。Sweetbox從1998年至今的幾乎每張專輯中，都有由古典音樂旋律改編的現代作品，從貝多芬到莫扎特、從巴赫到德彪西、從柴可夫斯基到維瓦爾第，從舒曼到施特勞斯，都被Sweetbox一一翻了個遍。
能聽出前奏是引用自哪首名曲嗎？
Sweetbox這個“不可描述”的組合，是由男製作人+女主唱組成的。成立以來，音樂取材於古典的方向沒有變，但女主唱卻前後換了6任，到底發生了什麼，咱也不好說，咱也不好問。
後來其中一名女主唱Jade又和製作人Geo又組成了另外一個組合“Eternity ∞”，出品音樂更是100%取材自泛古典音樂作品，光是“卡農”的改編就在同一個（也是唯一一個）專輯中出現了三次。
圖為製作人Geo與現任成員福原美穂
無獨有偶，天王周杰倫也是一位忠實於古典改編的音樂人。在2005年釋出了他的第六章專輯《十一月的肖邦》，專輯主打歌《夜曲》在專輯正式發行之前，就已於肖邦的逝世紀念日10月17日在電臺進行了直播。有人問，這個充滿西方古典標題味的“夜曲”，到底指的是肖邦的哪一首曲子？
《十一月的肖邦》專輯封面
其實，“夜曲（nocturne）”並不是特定的某一首曲子，而是一種鋼琴曲體裁，以這種體裁創作的曲子，都可稱之為夜曲，其中又以波蘭作曲家肖邦的作品最為出名。而周杰倫的《夜曲》除了在詞義上（由方文山作詞）充分表達了對肖邦夜曲的致敬以外，曲式和旋律都沒有直接引用古典音樂中的夜曲。
倒是周杰倫的《琴傷》，一次性就引用了兩首不同的古典音樂。在《琴傷》中的編曲旋律，來自於一首叫《船歌》的曲子。
知乎@雪嶺洞簫聲的扒譜比較
1875年冬，俄羅斯當地文藝月刊選出了12首與每個月節令相關的詩歌，並希望各自有一首與之配套的鋼琴曲，於是向柴可夫斯基約稿。
彼得·伊里奇·柴可夫斯基（1840~1893），偉大的作曲家、音樂教育家
而其中對應六月份的，正是這首《船歌》。與《琴傷》曲中的的情緒不同，柴可夫斯基的《船歌》是一首明朗樂觀的曲子，描繪了在俄羅斯一年中最好的季節，六月氣候怡人、野花芬芳，人們在波光粼粼的湖水中悠閒蕩漾。
《琴傷》中引用的另外一首古典音樂，是在間奏中出現的動機、“音樂神童”莫扎特的《土耳其進行曲》。無獨有偶，周杰倫的另一首《土耳其冰淇淋》，編曲也同樣借用了這首《土耳其進行曲》。
《土耳其進行曲》是莫扎特《A大調第十一號鋼琴奏鳴曲》中的第三樂章，當時年僅22歲的莫扎特在寫下這段樂章時標註了“土耳其風”，“土耳其進行曲”便由此得名，不過由於當時創作的侷限，從現在的眼光來看，這首曲子聽起來並沒有太多的土耳其風味，也並不是傳統意義上的進行曲。
就像周杰倫鍾愛《土耳其進行曲》，五月天似乎也對《d小調第九號交響曲》情有獨鍾。貝多芬《d小調第九號交響曲》不僅在五月天《純真》的間奏中出現，更直接用作了《快樂很偉大》的歌曲主旋律。
貝多芬是一名德國作曲家，是維也納古典樂派代表人物之一。儘管他於26歲時不幸完全喪失聽力，這也未能阻止貝多芬一生所作對古典音樂的重大貢獻，以至於今天一談到古典音樂，許多人腦海中第一個出現的名字就是貝多芬。
《d小調第九交響曲》被認為是貝多芬在交響樂領域的最高成就，五月天這兩首歌引用的都是這部交響曲的第四樂章，這個樂章還有一個更加響亮的舉世聞名的眾人皆知的名字，正是文章開頭提到的《歡樂頌》。
致敬經典為何會成為音樂界的常態？
最直接的原因，就是創作者死亡後50年後（適用於中國地區）版權進入公共版權領域的緣故。當音樂人靈感枯竭、素材殆盡的時候，從已經“公共化”的古典音樂中找找段子就成為了另闢蹊徑的好方法。
而其中被“致敬”得最多的，就要當屬“卡農”了。“卡農”事實上在今天有著多層含義。
約翰帕赫貝爾（1653~1706），管風琴家、作曲家
至今，光是直接引用了《D大調卡農》旋律的曲子，就已多達至少數十首，比如在譚維維《如果有來生》當中就有一段優美的間奏引用了《D大調卡農》。除此之外，借鑑“卡農”曲式或和聲結構的現代流行歌曲，更是數不勝數、上千上萬、難以統計。
“卡農”大概由於被後人使用得過於氾濫，以至於我們有時候聽著聽著便會忽略了它來自古典音樂。但也有一些流行歌曲，我們一聽就知道是取材了古典作品，比如陳奕迅在歌曲《給愛麗絲》中進行了前奏引用的，正是大家耳熟能詳的“鋼琴曲必彈”之《致愛麗絲》。
這首迴旋式鋼琴小品，當時確實是作者貝多芬獻給“愛麗絲”女士的紀念品，只不過據說那位女士的真名其實叫“特蕾莎”，“愛麗絲”是出版商在出版曲子樂譜時犯的筆誤，結果後人也就將錯就錯地流傳了下來，管它到底獻給誰，曲子好聽就行。
路德維希·凡·貝多芬（1770~1827），偉大的作曲家
還有一些流行歌曲，屬於乍一聽似乎不曾相識，但是調調蠻獨特，能讓人記憶深刻。直到我們不經意聽到它們所對應的古典音樂原曲，便會恍然大悟，大呼原來如此，都是同一個模子裡面刻出來的。
S。H。E就是其中的先進示範單位之一，我們先聽S。H。E的《不想長大》，再聽莫扎特的《g小調第四十號交響曲》；先聽S。H。E的《波斯貓》，再聽科特比的《波斯市場》；先聽S。H。E的《Remember》，再聽柴可夫斯基的《天鵝湖》；先聽S。H。E的《宇宙小姐》，再聽格里格的《在山魔王的宮殿裡》，無不具有“二鳴驚人”的洗腦效果。
由於篇幅有限，此處不全部例舉
總的來說，作為現代流行音樂的“老祖宗”，西方古典音樂作為當時供奉給“上流社會”的高階玩物，通常更具有高度的內在邏輯性和完備嚴謹的結構體系，這也間接形成了古典音樂在演奏技巧上常有更豐富的玩法、更極致的追求。
當然，這也並不是踩一捧一。流行音樂站在巨人的肩膀上，用百年時間，發展出了難以想象的龐大音樂帝國。但也因為發展過於迅速，開始出現粗製濫造、創作枯竭、同質化嚴重等問題。
中央音樂學院周海宏教授曾說過：“簡單的東西容易膩，複雜的東西受眾小。”其實，不少“樂於致敬”的現代音樂人，正是透過借鑑古典音樂這一行為，在完善豐富現代音樂內容的同時，透過這一種特別的方式，將日漸式微的古典音樂繼續發揚光大。
當我們看到李泉在鋼琴上瀟灑帥氣地彈奏《我要我們在一起》時，聽到的卻是格里格的《阿尼特拉之舞》中絢麗多彩而不失爽朗清新的優美舞曲。
當我們看到鋼琴家郎朗在為李克勤的《我不會唱歌》和林俊杰的《靈魂的共鳴》做炸翻全場的神助攻時，聽到的卻是李斯特的《帕格尼尼主題大練習曲》的第三首和第六首中，追求音樂技巧極致與超越的狂人之音；
郎朗演奏《帕格尼尼主題大練習曲》第三首《鍾》
當我們聽到的陳奕迅《2001太空漫遊》開頭強烈科幻既視感的管絃樂交響，聽到的確是施特勞斯的《查拉斯圖拉如是說》那哲意悠遠、而神秘曼妙的龐大交響詩。
或許等我們聽完這些經過改編的流行歌曲，再去欣賞對應取材的古典原曲時，展現在我們面前的，將不再是晦澀難懂的樂章，而是一個更有層次起伏，主題表達更加細膩講究的奇妙音樂世界。
最後，附上一份筆者整理的「現代流行歌曲引用古典音樂旋律」曲目表。筆者能力有限，難免存在錯漏，也歡迎大家留下評論幫忙繼續補充哦~
