現代交響樂團最常見的佈局是這個樣子的：

也就是說，以指揮台的位置為中心，第一、第二小提琴、中提琴、大提琴和低音提琴從左到右呈扇形依次排開；在絃樂器的後面是木管和銅管樂器，最後排則是打擊樂器。

但是，千萬不要以為管弦樂團聲部的位置自誕生之日就是這樣，事實上它的發展還不過 100 年。那麼，交響樂團原來是什麼樣的佈局，經歷了怎樣的發展？這樣或那樣的佈局又有哪些講究？

其實自古代起，就已經有所謂的管絃樂隊了，但是對今天影響較大的，要追溯到古典主義時期（1750 — 1820年）。

▼ 現存 1828 年的佈局圖

說到交響樂和交響樂團，就不得不提到被稱為“交響樂之父”的約瑟夫·海頓（Joseph Haydn）。海頓受僱於匈牙利的埃斯特哈齊家族（Esterházy）長達 30 年，在此期間，他組織了一個規模在 40 人左右的管弦樂團。

海頓的交響樂團與現代交響樂團最大的不同點是，第一和第二小提琴對面而坐，分佈在樂團的兩側，大提琴位於中間位置。

大部分古典主義時期的音樂都採用互動輪唱（Antiphony）的演奏和演唱方式，也就是由兩個或多個組交替演唱或演奏。把第一小提琴和第二小提琴放在對立的位置，是為了讓兩個小提琴組相互交流、應答、互動，形成 18 世紀的“立體聲效應”。

▼ 第一、二小提琴位置對立，波士頓交響樂團，1881年

這樣的樂器編排和組合對後世交響樂團的影響長達百年之久。在 18 和 19 世紀，每件樂器的位置都有所變化，但是一提和二提分別位於樂團左右兩側的安排一直延續了下來。

在 19 世紀的浪漫主義時期（1820 — 1900年），樂團的規模不斷擴大，一些大型交響樂團如萊比錫布商大廈管弦樂團、柏林愛樂樂團、紐約愛樂樂團，仍然採用了這樣的安排。甚至柴科夫斯基在 1893 年完成的《第六交響曲“悲愴”》仍然要求這樣的座次安排，這一點在最後一個樂章小提琴部分的樂譜上體現的很明顯。

▼ 1840 年的佈局圖

那麼，我們今年看到的交響樂團佈局是怎樣形成的呢？這就要說到一位英國指揮家利奧波德·斯托科夫斯基（Leopold Stokowski）。

▼ 斯托科夫斯基

▼ 斯托科夫斯基在卡內基音樂廳，1947 年

斯托科夫斯基不僅是指揮家，還是一位擅長改編的作曲家。為了找到最佳的聲學效果，他做了很多嘗試。在指揮費城管弦樂團期間，他曾經將木管和銅管樂器放在絃樂器的前面，引起了不小轟動（由於絃樂聲部在整個交響樂團的分量極重，一般被放置在舞臺前面，不會隨意調整），但是沒有延續下來。

▼ 木管樂器在絃樂器前面

但是在 1920 年代，斯托科夫斯基做出的另一項調整，奠定了現代交響樂團的基本佈局。為了讓演奏家們更好地聽見彼此的聲音，他將兩組小提琴組合在一起，把絃樂器的高音和低音聲部從左到右依次排列，這項改革後來被美國所有的管弦樂團採用。在英國指揮家亨利·伍德（Henry Wood）的倡導下，英國的樂團也開始採用這一方案。

▼ 亨利·伍德，1926 年

把兩個小提琴組安排在一起的方式，使得它們共同演奏同一旋律（第二小提琴通常低八度演奏）的效果更好，因此催生了很多作曲家針對這一佈局創作的作品。試想一下，如果用第一小提琴和第二小提琴對立的方式演奏拉赫瑪尼諾夫、斯特拉文斯基和科普蘭的音樂，就變得毫無意義了。

但是，任何的改革都是有代價的——這樣的安排使得小提琴之間的互動應答少了很多趣味，而且小提琴的聲音不夠均衡，偏重於左側。如果大提琴在最右側，那麼作為交響樂團基礎聲部的低音絃樂器又顯得不夠厚重。所以很多指揮家選擇將大提琴放在樂團中間位置，取代原來中提琴的位置。

▼ 大提琴取代原來中提琴的位置

而反過來說，如果將第一小提琴和第二小提琴放在對立的位置，那麼在現場演奏的時候，即使在很好的音樂廳，兩組小提琴也很難將彼此聽得清楚、精準，合奏的效果自然也就大打折扣。這真是兩難的選擇！無論選擇哪一個都要做出妥協。

所以，有些樂團不得不選擇放大招了——他們有時會在樂曲演奏間歇的時候變換位置，為的就是根據不同作曲家的原意安排樂團樂器的位置，達到最好的演出效果。

因此，一直在改變的不僅僅是古典音樂的體裁、風格，還有整個交響樂團的面貌。交響樂團的樂器佈局也有很多講究，一場完美的古典音樂演出包含了無數個這樣的細節，任何一個小小的環節都不能放過。

對於古典音樂的受眾來說，識其一還要知其二，這些小知識能夠幫助我們更好地瞭解和欣賞古典音樂。